En Inglés (otra vez!)
pero que buena entrevista.
lunes, mayo 04, 2009
The Last Film Role Played by Orson Welles
El Ultimo trabajo de Orson Welles: actuó como LA VOZ DE UN PLANETA (!) en la peli TRANSFORMERS.
Perfecto, no?
Foutaises (court metrage de Jean-Pierre Jeunet)
Cuando es BUENO es BUENOOOOO!
Primer corto de J-P Jeunet. (Delicatessen etc)
domingo, mayo 03, 2009
Luca/SUMO: Montevideo 1986 (Leonardo Haberkorn)
La entrevista estaba fijada a las ocho o nueve de la mañana, una hora impropia para entrevistar a un músico de rock. La cita era en el hotel Carrasco, donde estaban alojados muchos de los músicos extranjeros que habían llegado para actuar en Montevideo Rock. Era una soleada mañana de noviembre de 1986 y hacía calor. [Recuerdo haber ido a la entrevista sin desayunar y con la sospecha de que Luca Prodan y los otros integrantes de Sumo me dejarían plantado porque estarían durmiendo. Pero no fue así. Yo no pensaba que aquella cita fuera especial. Conocía algunas canciones de Sumo pero no todas. Todavía no eran famosos. Las radios uruguayas pasaban ?La rubia tarada? y ?Los viejos vinagres?. ?La rubia tarada? me parecía genial, claro. ?Los viejos vinagres?, no.]A la entrevista bajaron Luca Prodan y el bajista Diego Arnedo. Nos sentamos en el bar del hotel. No recuerdo cómo estaba vestido Arnedo, pero Prodan llevaba una larga túnica blanca de algodón, y calzaba suecos. Parecía más un monje budista que un rockero. Comenzamos hablando del hotel Carrasco, porque varios de los músicos argentinos allí alojados estaban molestos con lo vetusto de sus instalaciones y pretendían cambiar de alojamiento.?Las camas hacen ruido... es medio dark, pero a mí me gusta?, dijo Luca Prodan. ?Y no es por no estar acostumbrado a estos lugares. Mis padres tenían guita; si íbamos a un lugar nos quedábamos en hoteles así. Es más lindo mirar al techo y ver esos vitrales en vez de una lamparita de última. Los de GIT se quieren cambiar de cuarto... pero ¿quiénes son? ¡¿quiénes se creen que son?!?.Esa fue una constante en la entrevista. Luca Prodan no tenía pudor de referirse a sus colegas. Le pregunté por qué Sumo había tenido tanto éxito ese año, y respondió con un discurso anti-hippie lleno de alusiones personales. ?Porque la propuesta de Sumo es distinta?, dijo. ?Acá todos quieren ser muy afinados, pero dónde está el corazón. Dónde lo tienen. Fito Páez es más o menos un melódico. No es un aguerrido... Nosotros hacemos un show sin ser heavy metal, sin ser punk ni nada, solo con nuestra fuerza. Y eso pega, porque la gente cambió. Antes les gustaba perderse en los ?espacios siderales del amooooor? y ser buenos tipos, y en general era todo mentira. Nosotros no le damos nada de bola a todo eso; somos buenos tipos y listo. Y después hacemos la música que queremos?. Arnedo interrumpió para contar que todo había surgido de casualidad. Que Luca había llegado de Europa, que había reunido a músicos que no tocaban en público, que ni siquiera pretendía grabar un disco. Insistía en que habían trabajado mucho para llegar a ser reconocidos.Prodan volvió a tomar la palabra. ?Me parece que también tiene que ver con la edad. Yo empecé a cantar a los 27 años, no a los 19. Fito, que tiene 22, es un imberbe. A esa edad se la creen, piensan que son estrellas porque no saben, porque no vivieron. Yo estuve en la cárcel tres veces, aunque nunca le hice mal a nadie. También viajé en un yate por el Mediterráneo cada verano desde que era chico. Hice de todo. Estuve en todos lados. Yo viví. Viví. Ahora no me voy a creer que soy una ?estrella de rock?.[La calidez de la voz con acento italiano de Luca Prodan todavía se escucha en el casete Silver Shadow, lo que no deja de ser un pequeño milagro. Varias veces en la entrevista se refirió a su historia personal, a su infancia y juventud en el seno de una familia millonaria y aristocrática en Europa, tal como ahora cuenta la película sobre su vida. Pero en aquella mañana de 1986 Luca todavía no era una celebridad, su biografía no era conocida y sus cuentos me provocaban inquietud: ¿sería verdad todo lo que ese pelado me estaba diciendo?]?Yo fui al mejor colegio de Europa, con el príncipe Carlos de Inglaterra. Ahí me di cuenta de la mierda que es todo, me escapé y me puse más rebelde que un rebelde. Dejé todo. Si yo quería ahora estaba en Roma, en mi súper departamento, con el yate de mi padre y todo eso. Pero no quiero, no me gusta esa gente. Me gusta mucho más el barrio del mercado del Abasto y estar ahí con cualquiera. Yo soy amigo del almacenero, de gente más de verdad, no de estos que hacen windsurf, oh oh oh, ¿qué cazzo me importa a mí el windsurf??.El personaje parecía ser demasiado interesante para ser verdadero pero, sin embargo, no creía que ese pelado de túnica me estuviera mintiendo. En un momento Luca Prodan interrumpió la cantinela de Arnedo acerca del sacrificio que habían hecho para salir adelante y dijo que ?Los viejos vinagres? la habían compuesto con la mente puesta en lograr un éxito radial: ?Nosotros vivimos de esto, así que necesitás adecuarte un poco a la situación comercial. Confieso que esa canción fue hecha con un poco de mentalidad comercial. Pero ?La rubia tarada? no, esa la hicimos así, sin pensar?. Nunca había oído a un músico referirse con tal sinceridad a uno de sus éxitos.?Nosotros ?siguió Luca- no somos el conjunto-de-rock-reloco-reinteligente-y-con-todas-las-minas. Hay muchos músicos que no son músicos, que solo quieren levantar minitas, ser famosos y salir en el diario. El rock está lleno de boludos. Y hablando de boludos, mirá quién viene??[En el bar del hotel apareció un ser extraño, muy alto y con una barba larguísima dividida en dos mitades que se prolongaban casi hasta su abdomen. Era un desconocido llamado Roberto Petinatto, saxofonista de Sumo.] Luca lo presentó: ?Él es el más inteligente y el más idiota de Sumo. Es el más arrogante, pero también es el que tiene más sentido del humor, muy irónico y sarcástico?. Petinatto se sentó al piano del bar del hotel Carrasco y comenzó a improvisar. El resto de la entrevista quedó registrada en el Silver Shadow con la música de Petinatto de fondo.Prodan miró a Arnedo y dijo: ?Él es el mejor músico de Sumo. Se toca todo?. ?Gracias?, respondió con timidez el bajista. Le pregunté a Prodan si quería volver a Europa. ?Yo viví toda una época muy buena allá. Los jóvenes decíamos ?vamos a cambiar todo?, pero después nos dimos cuenta de que no íbamos a cambiar nada ni con la política, el rock, ni las drogas. Hace dos años y medio volví a Italia e Inglaterra y estaban todos haciendo guita y comprando un televisor más grande. Me puso bastante mal. Después está el otro lado de la moneda: los otros, los ex rebeldes, los que se desilusionaron con la propuesta del 68 cayeron en la heroína. Y se mueren como moscas?.Me dijo que su hermana había muerto por ser heroinómana. ?Yo llegué acá escapando de la heroína. No quiero volver. Si vuelvo es para tocar y para estar un rato en un lugar lindo y comer buena comida. Y hablando de comida??Luca dio por terminada la entrevista y preguntó dónde podía comer mariscos. Todavía no era mediodía, pero quería que le indicara algún restaurante. Salimos a la calle. En la entrevista Luca me había dicho que se vestía con su look tan extraño para ?hacerle entender a esos boludos que podés ser distinto y ser una buena persona?. No sé si la gente que lo miró con ojos desorbitados aquella mañana en Carrasco habrá captado el mensaje.[Cuando pasamos por la puerta del café Arocena, Prodan quiso entrar. Le dije que allí no se había servido ni se serviría jamás un plato de mariscos, pero él entró igual y se paró frente al mostrador, ante la mirada curiosa de los presentes. ?Dos ginebras?, pidió. Las sirvieron y él bebió la suya de un sorbo. Tuve que hacer lo mismo. Nunca en mi vida repetí ese tipo de desayuno. Él seguro que sí. Apenas viviría un año más.]Esa noche Sumo actuó en Montevideo Rock 1 y comprobé que el pelado de túnica no me había mentido. Cuando la actuación terminó, sentí qué había sido afortunado esa mañana. Y guardé el Silver Shadow como si fuera un tesoro.
SUMO y el Mar
B"ueno ok... buenas noches, muchas gracias, ¿El mar está ahí? Nosotros nos vamos. A él lo vamos a matar ahora por tocar como un boludo (señalando a Pettinato) y ahora vienen los... quien viene? Virus! Lo que pasa que somos todos putos, viste... porque tenemos ganas." (Luca Prodan, Rock In Bali 24/1/1987)
Aquí está la verdad de Bali... Muchos han leido o se han enterado en algún medio, que Luca "insultó" a los Virus antes de que estos suban al escenario tras un show de Sumo. Fuentes dicen que Luca dijo "ahí viene la banda de los putos". Con esta frase, se derriba esa teoria.
sábado, mayo 02, 2009
Shaking the foundation of democracy, the shocking revelations behind the tragic series of events outside Waco, Texas that killed four federal agents and 76 men, women and children of the Branch Davidian religious sect has finally been exposed.
Winner of an Academy-Award® nomination in light of its incredible discoveries, Waco: The Rules of Engagement brings forth devastating evidence of federal law enforcement gone tragically wrong. It dares to suggest the ATF provoked war with a group whose apocalyptic religious beliefs and rumored manufacturing of illegal weapons made them easy targets for an inevitable abuse of its members’ civil and human rights.
Waco: The Rules of Engagement will change forever the way the world thinks and talks about the tragedy at Waco and, most importantly, it will renew our commitment to the basic precepts of tolerance and freedom upon which American society is built.
Que pasó en W.A.C.O. ?
David Koresh (born August 17, 1959 – April 19, 1993) was the leader of a Branch Davidian religious sect, believing himself to be its final prophet. A 1993 raid by the U.S. Bureau of Alcohol, Tobacco, Firearms and Explosives, and subsequent siege by the FBI ended with the burning of the Branch Davidian ranch. Koresh, 54 adults and 21 children were found dead after the fire, though the time of death is in dispute.
jueves, abril 30, 2009
miércoles, abril 29, 2009
lunes, abril 27, 2009
Review: Human Zoo (2009) (3) at CPH:PIX Copenhagen Film Festival
Rie Rasmussen directs her first movie...
Angel A Trailer (Luc Besson)
Could have been a GREAT short-movie
and has some profound moments, plus a clear central message... "cut through the bullshit, and be yourself",
and goofy/sexy Rasmussen is a delight.
sábado, abril 25, 2009
viernes, abril 24, 2009
jueves, abril 23, 2009
Al Borde del Tiempo (en 10 minutos)
Un programa que explora el universo del rock en todas sus variantes, ofreciendo canciones que no suele escucharse con frecuencia en el ámbito masivo. Noticias, coberturas de recitales, informes especiales, el repaso de la historia del rock y la difusión de grupos nuevos, son las características principales de un programa en el cual también se hace presente con gran protagonismo el humor, junto a extrañas y divertidas historias que rondan el programa.
En la última hora, nos visitan bandas que forman parte del circuito ya consolidado del rock. Los artistas nos cuentan detalles acerca de su formación, discos, anécdotasy se animan a tocar algunos temas en el piso.
Conocé más sobre el programa ingresando en http://www.albordedeltiempo.com.ar/
O escribinos a:
info@albordedeltiempo.com.ar
Esta dirección de email está siendo protegida de \"spam bots\", necesitas habilitar Javascript para poder verla.
Idea y realización: Pablo López y Sergio Visciglia.Conducción: Sergio Visciglia.Co-conducción: Pablo López.Producción: Daniela Hellbusch y Pablo Calens.Coordinación de aire: Mariana Lorenzo.
En la última hora, nos visitan bandas que forman parte del circuito ya consolidado del rock. Los artistas nos cuentan detalles acerca de su formación, discos, anécdotasy se animan a tocar algunos temas en el piso.
Conocé más sobre el programa ingresando en http://www.albordedeltiempo.com.ar/
O escribinos a:
info@albordedeltiempo.com.ar
Esta dirección de email está siendo protegida de \"spam bots\", necesitas habilitar Javascript para poder verla.
Idea y realización: Pablo López y Sergio Visciglia.Conducción: Sergio Visciglia.Co-conducción: Pablo López.Producción: Daniela Hellbusch y Pablo Calens.Coordinación de aire: Mariana Lorenzo.
miércoles, abril 22, 2009
Toma Nota (con miel, y preferiblemente NO helada)
Steve Hillage is an electric guitar player who started off playing electric blues in the style of the young Eric Clapton. His solos were called 'paint blistering' by fellow musicians. In the course of his musical career, he developed his own recognisable brand of playing, spiced up by lots of echo and delay, sometimes playing 'canon' with himself. In some of his solos, Hillage started playing a phrase and the exact echo fell in a few seconds (or fractions thereof) later, making it a phrase in two (and often more) voices. His style of playing won him much acclaim, especially during live sets.
Steve Hillage is perhaps the only direct link from rock music (in his case 'progressive' or 'space rock' music) to the ambient house and techno scene.
The Rise
Steve Hillage was born on 2 August, 1951, in England. He played in his first band, Uriel, from 1967 to 1968, with bassist Mont Campbell, drummer Clive Brooks, and organist Dave Stewart.
In 1968, Hillage left for university to study history and philosophy. During his three years at Kent University, Hillage was musically silent, except for some jamming. Afterwards, however, his musical odyssey began.
In 1971, Hillage teamed up again with Dave Stewart in the band Kahn, and recorded a 'prog rock' album, released in 1972 and titled Space Shanty. Kahn split up soon afterwards. Kahn has been described by British critics as 'an obscure footnote of early 1970s British art rock', and part of the 'Canterbury school of British prog rock'.
The Gong Era
After the split, Hillage played and toured with Kevin Ayers (ex-Soft Machine), and joined the band Gong. Gong was started in the late 1960s by another ex-Soft Machine member, Daevid Allen (a beatnik already well known as a beat poet), and his wife Gilli Smyth, with an ever-changing line-up of musicians. This phenomenon of changing the line-up of musicians in one band has re-emerged in the techno scene with bands such as Massive Attack.
Gong, which incidentally was the first band ever to use lasers in its light show, has been host to some great musicians, including Gary Wright (does anyone remember Dream Weaver?), Robert Wyatt (again ex-Soft Machine, later a brilliant solo artist, although paralysed due to a drunken accident) and Mike Oldfield1.
Gong created its own mythology in its songs. The songs tell stories about the peaceful 'Planet Gong' where 'Radio Gnomes', 'Octave Doctors' and 'Pot Head Pixies' live. Steve Hillage joined during the recordings of three separate albums about the earthling 'Zero the Hero', who finds the Planet Gong and gets educated in its mystical philosophy in order to convert Earth. These albums are later called the Radio Gnome Invisible Trilogy, consisting of Flying Teapot, Angel's Egg and You. It was during his time with Gong that Hillage developed his own special style, one which he consequently became famous for. After You, Hillage left the band, and so did Allen and Smyth, the original founders.
The Solo Era
In 1975, Steve Hillage released his first solo album Fish Rising. Dave Stewart collaborated again, and this was also the beginning of his long partnership with keyboarder Miquette Giraudy, who also happened to have played with Gong for a while. On the album, he reworks a long guitar solo that he had done for Gong, a kind of duo with himself; the song 'Meditation of the Snake' would later become 'Meditation of the Dragon'.
The following year, Hillage (and from now on, constant musical and life-partner Giraudy) recorded L in New York with help from Todd Rundgren (producer), Rundgren's band Utopia and jazz giant Don Cherry2. The album includes a cover version of Donovan's 'Hurdy Gurdy Man' and a cover version of 'It's All Too Much', a Beatles song written by George Harrison.
1977 was the punk era and musicians like Steve Hillage were 'out', but Hillage couldn't care less and recorded Motivation Radio, an album filled with weird but melodious synthesiser bleeps and his own brand of guitar work, including a cover version of the Rock'n'Roll classic 'Not Fade Away', made famous by the Rolling Stones.
Green, released in 1978, could be described as a hybrid of Pink Floyd and David Bowie's experimental outings with Brian Eno. The album was actually produced by Pink Floyd drummer Nick Mason. This was certainly not fashionable at the time, but critics were forced to admit that 'like his other albums, the musicianship is top-notch'. On this album he completely reworked a Gong song ('Master Builder' from the album You), and this could be considered the first remix in the sense that 'remix' is used today in dance music.
In 1979, Hillage released three albums:
Rainbow Dome Musick is a precursor of modern ambient music (see below).
Open is the album on which Hillage starts to experiment with the dance music of the late 1970s: punk, funk and disco (the song 'Definite Activity' sounds like a Prince song, long before Prince started recording). Open also includes another Beatles cover, 'Getting Better', and 'Earthrise', an adaptation of an Arabic traditional.
Live Herald is a double live album (an excellent showcase for his live guitar work), on which the fourth side features new, funky studio tracks3.
The Decline
Apart from For To Next / And Not Or in 1983 (originally released as two albums), Steve Hillage now turned to production, because apparently nobody was interested in his music anymore. He became one of the Virgin's (as in the Virgin record label) in-house producers, and in that function produced, among others, Murray Head, Cock Robin, Robyn Hitchcock, and the breakthrough album for Simple Minds, which included their hit single 'Love Song'.
By the end of the 1980s, Steve Hillage seemed to have completely disappeared and was mostly forgotten.
The Return
In 1989, during a night out clubbing, Hillage went to the chill out room of a club, and recognised his own Rainbow Dome Musick. This piece had become a modern ambient classic in some clubs and Hillage started a conversation with the DJ, who turned out to be Dr Alex Paterson, the driving force behind The Orb.
Very soon Steve Hillage started collaborating with The Orb which led to the formation of Hillage's own dance project, System 7, again with partner Miquette Giraudy and which, like Gong, is a collective of ever-changing musicians, producers, remixers and DJs. Hillage's typical guitar experiments keep their prominent role, however, and they blend in perfectly with the hard dance beats and techno synths.
The System 7 Era
In 1990, System 7's debut single 'Sunburst' was released, followed in 1991 by the first album, called simply System 7. On this album there are collaborations with some of techno's biggest names, including Dr Alex Paterson and Derrick May, one of the Detroit techno pioneers.
Due to legal problems in the US about the name 'System 7' - Hillage was forced to name his band 777 in the States, which causes lots of confusion for European fans - Hillage released a few UK-only singles as System 7, before releasing a mini-album called (confusingly enough) 777, completely different from the US-released album 777, which was the American title for the album System 7.
In late 1994, Steve Hillage surprised everyone yet again, releasing on the same day System 7.3: The Fire Album and System 7.3: The Water Album. These two albums are sometimes referred to together as Point 3.
Basically, both albums contain the same songs (only one 'exclusive' track on Water) in a different order. The Fire album is techno based, while the Water album is ambient based. Ironically, in the light of Hillage's roots, the Fire album is the first techno album ever to be called 'progressive house'.
Hillage's guitar takes prominence again, especially on the 25-minute version of 'Alpha Wave' on Water, but besides the obvious synthesisers, instruments from traditional Indian music - sitar and tablas - are also used, and the result is majestically calming, flowing music, even on the harder techno album. Guest musicians included, once more, Derrick May.
1996 saw the release of Power of 7, an even harder techno album, with guests like Dr Alex Paterson, Derrick May and Carl Craig. Tracks include 'Interstate', based on a sample from the German band Can, whale noises in 'Davy Jones' Locker', and stomping tripped-out techno like 'Hangar 84' and 'Chicago Indian'.
System Express of the same year is a singles collection with remixes by some techno and drum 'n' bass heavyweights like Marshall Jefferson, Carl Cox, Plastikman, David Holmes (on whose album This Film's Crap, Let's Slash the Seats Steve Hillage co-wrote a track and played guitar), Doc Scott and Jacob's Optical Stairway.
Golden Section, released in 1997, is more of the same, although the music becomes even more psychedelic and there is a more noticeable influence from drum 'n' bass (percussion), but the album is especially remarkable for a 'posthumous collaboration' from Don Cherry, who recorded his 'collaboration' during Hillage's recording of L in 1976. Don Cherry's music is used in the song 'Don Corleone', which also features guest musician Talvin Singh.
Also, in 1997, a peculiar double CD was released, titled You Remixed, Phase 1 and Phase 2. It is a collection of Gong covers (only from the album You) by various artists, including System 7, but also some big names from the dance-music scene like The Orb, The Shamen, Youth, Total Eclipse, Astralasia, 808 State, Doof, and others. The song 'Master Builder' is covered four times.
At the time of writing, System 7 have been touring the world extensively, and a new System 7 album, Infinity Boulevard, is announced for release on their website.
1 Mike Oldfield made his debut with Kevin Ayers, and later became famous for Tubular Bells, which was finished in 1971, but only released in 1973, and was used as the soundtrack for the film version of The Exorcist. Steve Hillage played in the first live performances of Tubular Bells.2 Today, Don Cherry is better known for his offspring, Neneh and Eagle Eye.3 The CD version of Live Herald contains only the three 'live sides' of the LP. The 'studio side' can be found on the CD version of Open.
Steve Hillage is perhaps the only direct link from rock music (in his case 'progressive' or 'space rock' music) to the ambient house and techno scene.
The Rise
Steve Hillage was born on 2 August, 1951, in England. He played in his first band, Uriel, from 1967 to 1968, with bassist Mont Campbell, drummer Clive Brooks, and organist Dave Stewart.
In 1968, Hillage left for university to study history and philosophy. During his three years at Kent University, Hillage was musically silent, except for some jamming. Afterwards, however, his musical odyssey began.
In 1971, Hillage teamed up again with Dave Stewart in the band Kahn, and recorded a 'prog rock' album, released in 1972 and titled Space Shanty. Kahn split up soon afterwards. Kahn has been described by British critics as 'an obscure footnote of early 1970s British art rock', and part of the 'Canterbury school of British prog rock'.
The Gong Era
After the split, Hillage played and toured with Kevin Ayers (ex-Soft Machine), and joined the band Gong. Gong was started in the late 1960s by another ex-Soft Machine member, Daevid Allen (a beatnik already well known as a beat poet), and his wife Gilli Smyth, with an ever-changing line-up of musicians. This phenomenon of changing the line-up of musicians in one band has re-emerged in the techno scene with bands such as Massive Attack.
Gong, which incidentally was the first band ever to use lasers in its light show, has been host to some great musicians, including Gary Wright (does anyone remember Dream Weaver?), Robert Wyatt (again ex-Soft Machine, later a brilliant solo artist, although paralysed due to a drunken accident) and Mike Oldfield1.
Gong created its own mythology in its songs. The songs tell stories about the peaceful 'Planet Gong' where 'Radio Gnomes', 'Octave Doctors' and 'Pot Head Pixies' live. Steve Hillage joined during the recordings of three separate albums about the earthling 'Zero the Hero', who finds the Planet Gong and gets educated in its mystical philosophy in order to convert Earth. These albums are later called the Radio Gnome Invisible Trilogy, consisting of Flying Teapot, Angel's Egg and You. It was during his time with Gong that Hillage developed his own special style, one which he consequently became famous for. After You, Hillage left the band, and so did Allen and Smyth, the original founders.
The Solo Era
In 1975, Steve Hillage released his first solo album Fish Rising. Dave Stewart collaborated again, and this was also the beginning of his long partnership with keyboarder Miquette Giraudy, who also happened to have played with Gong for a while. On the album, he reworks a long guitar solo that he had done for Gong, a kind of duo with himself; the song 'Meditation of the Snake' would later become 'Meditation of the Dragon'.
The following year, Hillage (and from now on, constant musical and life-partner Giraudy) recorded L in New York with help from Todd Rundgren (producer), Rundgren's band Utopia and jazz giant Don Cherry2. The album includes a cover version of Donovan's 'Hurdy Gurdy Man' and a cover version of 'It's All Too Much', a Beatles song written by George Harrison.
1977 was the punk era and musicians like Steve Hillage were 'out', but Hillage couldn't care less and recorded Motivation Radio, an album filled with weird but melodious synthesiser bleeps and his own brand of guitar work, including a cover version of the Rock'n'Roll classic 'Not Fade Away', made famous by the Rolling Stones.
Green, released in 1978, could be described as a hybrid of Pink Floyd and David Bowie's experimental outings with Brian Eno. The album was actually produced by Pink Floyd drummer Nick Mason. This was certainly not fashionable at the time, but critics were forced to admit that 'like his other albums, the musicianship is top-notch'. On this album he completely reworked a Gong song ('Master Builder' from the album You), and this could be considered the first remix in the sense that 'remix' is used today in dance music.
In 1979, Hillage released three albums:
Rainbow Dome Musick is a precursor of modern ambient music (see below).
Open is the album on which Hillage starts to experiment with the dance music of the late 1970s: punk, funk and disco (the song 'Definite Activity' sounds like a Prince song, long before Prince started recording). Open also includes another Beatles cover, 'Getting Better', and 'Earthrise', an adaptation of an Arabic traditional.
Live Herald is a double live album (an excellent showcase for his live guitar work), on which the fourth side features new, funky studio tracks3.
The Decline
Apart from For To Next / And Not Or in 1983 (originally released as two albums), Steve Hillage now turned to production, because apparently nobody was interested in his music anymore. He became one of the Virgin's (as in the Virgin record label) in-house producers, and in that function produced, among others, Murray Head, Cock Robin, Robyn Hitchcock, and the breakthrough album for Simple Minds, which included their hit single 'Love Song'.
By the end of the 1980s, Steve Hillage seemed to have completely disappeared and was mostly forgotten.
The Return
In 1989, during a night out clubbing, Hillage went to the chill out room of a club, and recognised his own Rainbow Dome Musick. This piece had become a modern ambient classic in some clubs and Hillage started a conversation with the DJ, who turned out to be Dr Alex Paterson, the driving force behind The Orb.
Very soon Steve Hillage started collaborating with The Orb which led to the formation of Hillage's own dance project, System 7, again with partner Miquette Giraudy and which, like Gong, is a collective of ever-changing musicians, producers, remixers and DJs. Hillage's typical guitar experiments keep their prominent role, however, and they blend in perfectly with the hard dance beats and techno synths.
The System 7 Era
In 1990, System 7's debut single 'Sunburst' was released, followed in 1991 by the first album, called simply System 7. On this album there are collaborations with some of techno's biggest names, including Dr Alex Paterson and Derrick May, one of the Detroit techno pioneers.
Due to legal problems in the US about the name 'System 7' - Hillage was forced to name his band 777 in the States, which causes lots of confusion for European fans - Hillage released a few UK-only singles as System 7, before releasing a mini-album called (confusingly enough) 777, completely different from the US-released album 777, which was the American title for the album System 7.
In late 1994, Steve Hillage surprised everyone yet again, releasing on the same day System 7.3: The Fire Album and System 7.3: The Water Album. These two albums are sometimes referred to together as Point 3.
Basically, both albums contain the same songs (only one 'exclusive' track on Water) in a different order. The Fire album is techno based, while the Water album is ambient based. Ironically, in the light of Hillage's roots, the Fire album is the first techno album ever to be called 'progressive house'.
Hillage's guitar takes prominence again, especially on the 25-minute version of 'Alpha Wave' on Water, but besides the obvious synthesisers, instruments from traditional Indian music - sitar and tablas - are also used, and the result is majestically calming, flowing music, even on the harder techno album. Guest musicians included, once more, Derrick May.
1996 saw the release of Power of 7, an even harder techno album, with guests like Dr Alex Paterson, Derrick May and Carl Craig. Tracks include 'Interstate', based on a sample from the German band Can, whale noises in 'Davy Jones' Locker', and stomping tripped-out techno like 'Hangar 84' and 'Chicago Indian'.
System Express of the same year is a singles collection with remixes by some techno and drum 'n' bass heavyweights like Marshall Jefferson, Carl Cox, Plastikman, David Holmes (on whose album This Film's Crap, Let's Slash the Seats Steve Hillage co-wrote a track and played guitar), Doc Scott and Jacob's Optical Stairway.
Golden Section, released in 1997, is more of the same, although the music becomes even more psychedelic and there is a more noticeable influence from drum 'n' bass (percussion), but the album is especially remarkable for a 'posthumous collaboration' from Don Cherry, who recorded his 'collaboration' during Hillage's recording of L in 1976. Don Cherry's music is used in the song 'Don Corleone', which also features guest musician Talvin Singh.
Also, in 1997, a peculiar double CD was released, titled You Remixed, Phase 1 and Phase 2. It is a collection of Gong covers (only from the album You) by various artists, including System 7, but also some big names from the dance-music scene like The Orb, The Shamen, Youth, Total Eclipse, Astralasia, 808 State, Doof, and others. The song 'Master Builder' is covered four times.
At the time of writing, System 7 have been touring the world extensively, and a new System 7 album, Infinity Boulevard, is announced for release on their website.
1 Mike Oldfield made his debut with Kevin Ayers, and later became famous for Tubular Bells, which was finished in 1971, but only released in 1973, and was used as the soundtrack for the film version of The Exorcist. Steve Hillage played in the first live performances of Tubular Bells.2 Today, Don Cherry is better known for his offspring, Neneh and Eagle Eye.3 The CD version of Live Herald contains only the three 'live sides' of the LP. The 'studio side' can be found on the CD version of Open.
Fijanse aquí á propós de nuestro primer show del año...
http://www.elbondi.com/musica/2009-04-18.3934/cobertura.php?cobertura=3934
Lástima que no se habla de Dick el Demasiado y sus Nuevos Exagerados (con quien compartimos fecha). La 'dupla' resultó ser muy gratificante.
Lástima que no se habla de Dick el Demasiado y sus Nuevos Exagerados (con quien compartimos fecha). La 'dupla' resultó ser muy gratificante.
lunes, abril 20, 2009
Kraftwerk en Bs As... esta vez los perdí....
AU-TO-Baahnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnnn
domingo, abril 19, 2009
'Metiendo Púa' vivía aquí!
RADIO UNIVERSIDAD DE LA PLATA: LA PRIMERA RADIO UNIVERSITARIA DEL MUNDOLA RADIO PLATENSE TIENE 85 AÑOS ININTERRUMPIDOS EN EL AIRE.
Apenas cuatro años después que Enrique Telémaco Susini efectuara la primera transmisión Radiofónica del mundo -el 27 de agosto de 1920- fue inaugurada Radio Universidad Nacional de La Plata, en un acto que se realizó en el Colegio Nacional y en el que también se dio apertura al curso lectivo de ese año. En ese momento, el presidente de la alta casa de estudios, Dr. Benito Nazar Anchorena destacó en su fundamentación acerca del novedoso emprendimiento que “a la Universidad de La Plata le corresponde la iniciativa de haber empleado una estación Radiotelefónica no sólo como excelente elemento de enseñanza e investigación para la Radiotécnica, sino también para fines de divulgación científica, o sea, como elemento de extensión universitaria (...). De tal modo, a la par que desarrolla una obra completa de difusión cultural, sirve para vincular más aún la Universidad con el medio social en que actúa, devolviendo con ventaja al país el esfuerzo que la Nación realiza para sostenerla”. Así nació la primera emisora universitaria del mundo, con las adaptaciones necesarias para cada época. Las Radios universitarias surgen como una necesidad de las entidades que le dieron origen para optimizar sus objetivos institucionales, en ese sentido, son un producto histórico surgido de la necesidad y no como un complemento. En la actualidad, la emisora con 85 años de vida, ofrece una programación diversificada, dirigida a todos los sectores sociales a través de sus dos frecuencias (AM y FM). La programación se estructura sobre la base de seis criterios: informativo, educativo, de orientación, de servicio, de entretenimiento y cultural en un sentido amplio, con el compromiso de asegurar pluralidad ideológica, la defensa de los derechos humanos y el respeto a la libertad de expresión. El presidente de la UNLP, Gustavo Azpiazu, destacó que “contar con una emisora propia es para la Universidad no sólo un privilegio sino una manera más de renovar el compromiso de acercar la Universidad a la sociedad”, y además agregó que “nuestro objetivo es lograr llegar a la comunidad con una programación diferente, con la impronta que nos da nuestro origen”. Azpiazu encabezó los actos conmemorativos junto a autoridades de la UNLP en el frente del edificio de la Radio, ubicado en plaza Rocha nº 133.
Apenas cuatro años después que Enrique Telémaco Susini efectuara la primera transmisión Radiofónica del mundo -el 27 de agosto de 1920- fue inaugurada Radio Universidad Nacional de La Plata, en un acto que se realizó en el Colegio Nacional y en el que también se dio apertura al curso lectivo de ese año. En ese momento, el presidente de la alta casa de estudios, Dr. Benito Nazar Anchorena destacó en su fundamentación acerca del novedoso emprendimiento que “a la Universidad de La Plata le corresponde la iniciativa de haber empleado una estación Radiotelefónica no sólo como excelente elemento de enseñanza e investigación para la Radiotécnica, sino también para fines de divulgación científica, o sea, como elemento de extensión universitaria (...). De tal modo, a la par que desarrolla una obra completa de difusión cultural, sirve para vincular más aún la Universidad con el medio social en que actúa, devolviendo con ventaja al país el esfuerzo que la Nación realiza para sostenerla”. Así nació la primera emisora universitaria del mundo, con las adaptaciones necesarias para cada época. Las Radios universitarias surgen como una necesidad de las entidades que le dieron origen para optimizar sus objetivos institucionales, en ese sentido, son un producto histórico surgido de la necesidad y no como un complemento. En la actualidad, la emisora con 85 años de vida, ofrece una programación diversificada, dirigida a todos los sectores sociales a través de sus dos frecuencias (AM y FM). La programación se estructura sobre la base de seis criterios: informativo, educativo, de orientación, de servicio, de entretenimiento y cultural en un sentido amplio, con el compromiso de asegurar pluralidad ideológica, la defensa de los derechos humanos y el respeto a la libertad de expresión. El presidente de la UNLP, Gustavo Azpiazu, destacó que “contar con una emisora propia es para la Universidad no sólo un privilegio sino una manera más de renovar el compromiso de acercar la Universidad a la sociedad”, y además agregó que “nuestro objetivo es lograr llegar a la comunidad con una programación diferente, con la impronta que nos da nuestro origen”. Azpiazu encabezó los actos conmemorativos junto a autoridades de la UNLP en el frente del edificio de la Radio, ubicado en plaza Rocha nº 133.
jueves, abril 16, 2009
Alexander Mendes Publicidad TOPLINE
Me entero por pura casualidad, che!
Tema que no me pagaron, he! (Y además re-manejado).
miércoles, abril 15, 2009
La nota es relativa a la ultima 'visita', pero...
Yo no vengo a dejarme encasillar”
Holandés, acostumbrado a viajar por el mundo, fue el inventor de una cumbia experimental que gana espacios en todas partes. Pero se resiste a ser convertido en fast food del mercado musical.
Por Facundo García
Con semejante apodo, lo esperable es que el tipo sea un demente. Nada que ver: Dick El Demasiado, fundador de la cumbia experimental, se sienta en el techo de la vieja casa que le prestaron en La Boca y responde con inteligencia y puntería poética. Lo primero que cuenta el holandés es que vivió en Argentina entre los 6 y los 12 años, y que está en otro de sus retornos autogestivos. Tocará hoy en Niceto (Niceto Vega 5510), el 24 de junio cambiará el clima fashion de Palermo por un concierto para los detenidos de la Unidad Tres de la Cárcel de Ezeiza, y el 28 los anarcos y sus amigos podrán disfrutarlo en la sede de la Federación Libertaria Argentina (Brasil 1551).
¿Pero qué debe pasar para que un tipo nacido en la otra punta del globo se pierda por los ritmos tropicales? Las cadencias envolvieron a Dick desde la infancia, cuando aquel hijo rubión de un ejecutivo de Philips se asomaba al “tikití-tikití” que salía de las piezas de las mucamas. Hubo una en particular, Marta, a quien los años revistieron con una pátina de magia. “Ella influyó mucho en mi arte. Era santiagueña y le daba duro a la cumbia”, cuenta El Demasiado. Y remata con una prueba de la fuerza vital de la señora: “Un día volví de la escuela y encontré a mi papagayo flotando en un piletón. Marta lo agarró, lo puso en una cajita de zapatos al lado del horno encendido, le hizo respiración boca a boca ¡¡y lo revivió!!”. En honor a aquel episodio nació el tema “Me salvaste el papagayo”, aunque la resucitadora aparece de una u otra manera en muchas otras creaciones.
Cuidado. El entrevistado piensa lo que dice, no es un gringo que se hace el piola. Y tiene giros tremendos. “En esta heladera no vuelan colibríes”, puede soltar. O es capaz de despacharse opinando que le gustan las chicas que cantan “como cabras aplastadas por un tractor”. Sorprende con su argentinidad defendida a los ponchazos. Por momentos hace recordar a Luca, similaridad que –se rumorea– el propio Andrea Prodan se ocupó de señalar. “No me siento exótico acá. En realidad, tengo poco que ver con la educación europea formal. Al año y medio de vida estaba en Guatemala. A los 3 y medio en Holanda. A los 6 en Argentina. A los 13 me mudé a París. A los 15 a Holanda de vuelta, a los 18 a Sudáfrica y a los 20 de nuevo a París”, recapitula el cumbianchero, acaso el único del palo capaz de mencionar a Witold Gombrowicz y a los Pibes Chorros en la misma mañana.
Con las primeras barbas, Dick se integró a iniciativas artísticas en Europa –generalmente relacionadas con el videoarte–, en un remolino complejísimo que terminó con un nuevo anclaje en América latina. El Operativo Retorno se inició con el Festival de Cumbia Experimental Festicumex, organizado en Honduras a mediados de los ’90. Pero el evento nunca tuvo lugar: fue sólo un concepto, y no obstante significó el puntapié inicial para los encuentros que siguieron, que fueron muy reales y levantaron revuelo en la Buenos Aires que se buscaba a sí misma tras el sacudón de 2001. Al promediar la década, la epidemia se extendió y se sumaron figuras. Cumbia Queers, The Peronists, Rey Trueno y su Orquesta, Banda Maximal y Ecuador Everywer son sólo un puñado al azar entre el semillero enorme que rebasa las fronteras sonoras del continente, salpicando a Europa y EE.UU. En tanto, los fans le dieron a Dick cierta reputación, y los más osados lo nombran “el Lee Perry de la cumbia”, en alusión al mítico alquimista del dub. El no se duerme en los laureles. Sigue peleando porque su campo no sea apropiado por las lógicas comerciales e intenta sostener Tomenota Records, sello independiente que fundó bajo el antinostálgico lema “Treinta años evitando el tango”. “Para mí este lugar no es triste, todo lo contrario”, explica.
–Es raro, porque cuando una música se acerca mucho a lo “experimental”, suele separarse del baile. Pasó con Piazzolla, con el cool y el hot jazz, el rock progresivo.
–Mientras estás bailando variás permanentemente el eje de tu cuerpo, y eso cambia la perspectiva. Nos educan de tal manera que nos acostumbramos a percibir las cosas desde unos pocos puntos de vista. Yo lo vivo conmigo mismo. Este país tiene una construcción mental de inmigrantes, de manera que si ven llegar a alguien de afuera dicen “bueno, a ver con quién se va a quedar éste”. Yo bailo, me corro del rótulo. No vengo a dejarme encasillar. Aquí el laboratorio está en la música, pero también en los que se mueven con ella, en el camino que hace cada uno.
Así se las llame chamánicas, psicodélicas o electrónicas, las vertientes de la neocumbia están en alza. La prensa internacional, como el New York Times, le dedica artículos y críticas, y hasta la cataloga como el eslabón que sucederá al reggaetón. Dick se retuerce un poco al escuchar estas descripciones. “Ideé la cumbia lunática como un jardín al que se puedan ir integrando más y más seres. El tema es que veo que ya aparecen avivados que dicen ‘uy, a esta vaca le podemos sacar sus buenos litros de leche’. Es una lástima”.
–El riesgo es que se haga una apropiación miamizada por las multinacionales, peligro que usted ya advertía cuando tituló su primer disco No nos dejamos afeitar.
–Exacto. Estoy del otro lado. Yo escuché mucho y al mismo tiempo soy un analfabeto de la música. Ni siquiera sé afinar. Gracias a las posibilidades de lo digital, entré sin necesidad ni ganas de respetar las leyes de la música. En consecuencia, no es posible apropiarse de mis temas fácilmente. Son canciones protegidas contra Santaolallas.
La banda que acompaña al fundador de la cumbia experimental se llama Sus Exagerados y, como una selección zen, está compuesta exclusivamente por los primeros músicos con los que Dick pegó onda. Vienen calentitos, porque últimamente estuvieron tocando duro y parejo en París y Berlín. Con ellos El Demasiado suele presentarse en cárceles o en ámbitos aun menos convencionales, como las estepas rusas, donde el año pasado se empezó a concretar el sueño de grabar el primer disco de cumbia en vivo “en uno de los rincones menos tropicales que se conocen”.
Al músico se le ilumina la expresión si se refiere a esos toques atípicos. “En el Penitenciario canté que ‘el que viene por la miel no es ladrón’, y tendría que haber visto las caras de los presos. Aunque tenían prohibido pararse en los asientos –ese día hubo una pelea muy grande–, levantaban el culo lo más que podían. Querían participar. Me quedaron grabadas esas fisonomías en las que descubrías niños detrás de las cicatrices”, recuerda.
Cuando decide volver a casa, Dick suele echar velas hacia Holanda, donde es padre de familia y se gana el puchero concretando proyectos de arte. Hasta hace muy poco sus hijos desconocían la veta cumbianchera de papá. “¡Qué belleza fue que se enteraran!”, se tienta. “La otra vez traje a mi hija. Después oí que decía a sus amiguitos de allá que todas las chicas lindas conocían mis temas. Los otros la miraban medio incrédulos. Y cómo le iban a creer, si las veces que conté lo que me pasa acá en alguna cena de Europa percibí que los presentes se miran entre ellos y se dicen ‘por favor, que este chiflado no haga nuestra contabilidad’.”
//
Permalink:http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-10415-2008-06-21.html
Holandés, acostumbrado a viajar por el mundo, fue el inventor de una cumbia experimental que gana espacios en todas partes. Pero se resiste a ser convertido en fast food del mercado musical.
Por Facundo García
Con semejante apodo, lo esperable es que el tipo sea un demente. Nada que ver: Dick El Demasiado, fundador de la cumbia experimental, se sienta en el techo de la vieja casa que le prestaron en La Boca y responde con inteligencia y puntería poética. Lo primero que cuenta el holandés es que vivió en Argentina entre los 6 y los 12 años, y que está en otro de sus retornos autogestivos. Tocará hoy en Niceto (Niceto Vega 5510), el 24 de junio cambiará el clima fashion de Palermo por un concierto para los detenidos de la Unidad Tres de la Cárcel de Ezeiza, y el 28 los anarcos y sus amigos podrán disfrutarlo en la sede de la Federación Libertaria Argentina (Brasil 1551).
¿Pero qué debe pasar para que un tipo nacido en la otra punta del globo se pierda por los ritmos tropicales? Las cadencias envolvieron a Dick desde la infancia, cuando aquel hijo rubión de un ejecutivo de Philips se asomaba al “tikití-tikití” que salía de las piezas de las mucamas. Hubo una en particular, Marta, a quien los años revistieron con una pátina de magia. “Ella influyó mucho en mi arte. Era santiagueña y le daba duro a la cumbia”, cuenta El Demasiado. Y remata con una prueba de la fuerza vital de la señora: “Un día volví de la escuela y encontré a mi papagayo flotando en un piletón. Marta lo agarró, lo puso en una cajita de zapatos al lado del horno encendido, le hizo respiración boca a boca ¡¡y lo revivió!!”. En honor a aquel episodio nació el tema “Me salvaste el papagayo”, aunque la resucitadora aparece de una u otra manera en muchas otras creaciones.
Cuidado. El entrevistado piensa lo que dice, no es un gringo que se hace el piola. Y tiene giros tremendos. “En esta heladera no vuelan colibríes”, puede soltar. O es capaz de despacharse opinando que le gustan las chicas que cantan “como cabras aplastadas por un tractor”. Sorprende con su argentinidad defendida a los ponchazos. Por momentos hace recordar a Luca, similaridad que –se rumorea– el propio Andrea Prodan se ocupó de señalar. “No me siento exótico acá. En realidad, tengo poco que ver con la educación europea formal. Al año y medio de vida estaba en Guatemala. A los 3 y medio en Holanda. A los 6 en Argentina. A los 13 me mudé a París. A los 15 a Holanda de vuelta, a los 18 a Sudáfrica y a los 20 de nuevo a París”, recapitula el cumbianchero, acaso el único del palo capaz de mencionar a Witold Gombrowicz y a los Pibes Chorros en la misma mañana.
Con las primeras barbas, Dick se integró a iniciativas artísticas en Europa –generalmente relacionadas con el videoarte–, en un remolino complejísimo que terminó con un nuevo anclaje en América latina. El Operativo Retorno se inició con el Festival de Cumbia Experimental Festicumex, organizado en Honduras a mediados de los ’90. Pero el evento nunca tuvo lugar: fue sólo un concepto, y no obstante significó el puntapié inicial para los encuentros que siguieron, que fueron muy reales y levantaron revuelo en la Buenos Aires que se buscaba a sí misma tras el sacudón de 2001. Al promediar la década, la epidemia se extendió y se sumaron figuras. Cumbia Queers, The Peronists, Rey Trueno y su Orquesta, Banda Maximal y Ecuador Everywer son sólo un puñado al azar entre el semillero enorme que rebasa las fronteras sonoras del continente, salpicando a Europa y EE.UU. En tanto, los fans le dieron a Dick cierta reputación, y los más osados lo nombran “el Lee Perry de la cumbia”, en alusión al mítico alquimista del dub. El no se duerme en los laureles. Sigue peleando porque su campo no sea apropiado por las lógicas comerciales e intenta sostener Tomenota Records, sello independiente que fundó bajo el antinostálgico lema “Treinta años evitando el tango”. “Para mí este lugar no es triste, todo lo contrario”, explica.
–Es raro, porque cuando una música se acerca mucho a lo “experimental”, suele separarse del baile. Pasó con Piazzolla, con el cool y el hot jazz, el rock progresivo.
–Mientras estás bailando variás permanentemente el eje de tu cuerpo, y eso cambia la perspectiva. Nos educan de tal manera que nos acostumbramos a percibir las cosas desde unos pocos puntos de vista. Yo lo vivo conmigo mismo. Este país tiene una construcción mental de inmigrantes, de manera que si ven llegar a alguien de afuera dicen “bueno, a ver con quién se va a quedar éste”. Yo bailo, me corro del rótulo. No vengo a dejarme encasillar. Aquí el laboratorio está en la música, pero también en los que se mueven con ella, en el camino que hace cada uno.
Así se las llame chamánicas, psicodélicas o electrónicas, las vertientes de la neocumbia están en alza. La prensa internacional, como el New York Times, le dedica artículos y críticas, y hasta la cataloga como el eslabón que sucederá al reggaetón. Dick se retuerce un poco al escuchar estas descripciones. “Ideé la cumbia lunática como un jardín al que se puedan ir integrando más y más seres. El tema es que veo que ya aparecen avivados que dicen ‘uy, a esta vaca le podemos sacar sus buenos litros de leche’. Es una lástima”.
–El riesgo es que se haga una apropiación miamizada por las multinacionales, peligro que usted ya advertía cuando tituló su primer disco No nos dejamos afeitar.
–Exacto. Estoy del otro lado. Yo escuché mucho y al mismo tiempo soy un analfabeto de la música. Ni siquiera sé afinar. Gracias a las posibilidades de lo digital, entré sin necesidad ni ganas de respetar las leyes de la música. En consecuencia, no es posible apropiarse de mis temas fácilmente. Son canciones protegidas contra Santaolallas.
La banda que acompaña al fundador de la cumbia experimental se llama Sus Exagerados y, como una selección zen, está compuesta exclusivamente por los primeros músicos con los que Dick pegó onda. Vienen calentitos, porque últimamente estuvieron tocando duro y parejo en París y Berlín. Con ellos El Demasiado suele presentarse en cárceles o en ámbitos aun menos convencionales, como las estepas rusas, donde el año pasado se empezó a concretar el sueño de grabar el primer disco de cumbia en vivo “en uno de los rincones menos tropicales que se conocen”.
Al músico se le ilumina la expresión si se refiere a esos toques atípicos. “En el Penitenciario canté que ‘el que viene por la miel no es ladrón’, y tendría que haber visto las caras de los presos. Aunque tenían prohibido pararse en los asientos –ese día hubo una pelea muy grande–, levantaban el culo lo más que podían. Querían participar. Me quedaron grabadas esas fisonomías en las que descubrías niños detrás de las cicatrices”, recuerda.
Cuando decide volver a casa, Dick suele echar velas hacia Holanda, donde es padre de familia y se gana el puchero concretando proyectos de arte. Hasta hace muy poco sus hijos desconocían la veta cumbianchera de papá. “¡Qué belleza fue que se enteraran!”, se tienta. “La otra vez traje a mi hija. Después oí que decía a sus amiguitos de allá que todas las chicas lindas conocían mis temas. Los otros la miraban medio incrédulos. Y cómo le iban a creer, si las veces que conté lo que me pasa acá en alguna cena de Europa percibí que los presentes se miran entre ellos y se dicen ‘por favor, que este chiflado no haga nuestra contabilidad’.”
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Permalink:http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/3-10415-2008-06-21.html
lunes, abril 13, 2009
domingo, abril 12, 2009
sábado, abril 11, 2009
miércoles, abril 08, 2009
Gilbert O'Sullivan - Alone Again (original version)
Wow! El nuevo look...
y que escenografía!
La canción fue altamente criticada por darle a los jovenes poca esperanza, siendo MUY dark.
martes, abril 07, 2009
Lila - Overcome
Francesco's boys
"I found a love that's bigger than my pain
It found me when when I had no light to claim..."
Hermoso!
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