Dos para ver seguidos: Luca, documental sobre el líder de Sumo que reconstruye especialmente los años del músico antes de encallar en Argentina y 'Together/Juntos', documental sobre Andrea Prodan, el hermano de Luca, quien fue actor en films de Peter Greenaway y los Taviani y actualmente es músico y conductor de radio.

Fuente: Rolling Stone.

Durante el ciclo 'Noches de Música' en el marco del BAFICI, en el Teatro 25 de Mayo, Villa Urquiza,

Andrea Prodan fue la gran compañía que completó la velada. Andrea Prodan sigue luciéndose sin que la sombra de su hermano siquiera le moleste. Y si no me creen a mí no tienen más que acercarse a ver 'Luca', de Rodrigo Espina, o la inmensa' Together (Alone)', de Jannik Splidsboel, una road movie donde Andrea sale a las rutas del país siguiendo la estela que dejó su hermano.

fuente: Terra

Jannik Splidsboel’s creative documentary TOGETHER takes its starting point in the life of Andrea Prodan and conveys how the memories of his dead brother, the Argentine rock legend Luca Prodan never leaves him.TOGETHER portrays an unusual family with extraordinary destinies - it's filled with brotherhood, loss, denial and love. The director Jannik Splidsboel tells the tale in a sensitive and subtle way that makes us realize how important roles we all play in our own lives.TOGETHER is premiered at BAFICI, Buenos Aires.

Fuente:' Radiator', Denmark

Curiosidad

The year is 1944 and it was the first night that VI doodlebugs hit London. My Cousin, Geoffrey Cannon (17 years old), was on fire watch in the Majestic Cinema, while the other four of us were in the street outside. It was late in the evening. There had been no bombing or air raid sirens for three or four weeks (we were all waiting to be called up for military service). Suddenly, the sirens sounded and anti-aircraft guns opened up. My cousin, who was now on the roof of the Majestic Cinema, shouted down to us in the street below: “Come up here and see, we are shooting down planes right, left and centre!”
With that he came down, opened up the shutters and let us in. We went up to the roof through the projection room.
Sure enough you could see these planes! With their tails alight crashing to the ground, so we were cheering, little knowing they were flying bombs. I think it was two days later the government announced what they were. We didn’t cheer them after that.
My cousin Geoffrey Cannon was assistant projectionist at the cinema which has now been demolished. The other four of us lived very adjacent to the cinema in St Mark’s Road, Mitcham.

Dresden, before the bombs...

David Bowie God Knows I'm Good Lyrics
I was walking through the counters of a national concernAnd a cash machine was spitting by my shoulderAnd I saw the multitude of faces, honest, rich and cleanAs the merchandise exchanged and money roaredAnd a woman hot with worry slyly slipped a tin of stewing steakInto the paper bag at her sideAnd her face was white with fear in case her actionswere observedSo she closed her eyes to keep her conscience blindCryingGod knows I'm goodGod knows I'm goodGod knows I'm goodGod may look the other way todayGod knows I'm goodGod knows I'm goodGod knows I'm goodGod may look the other way todayThen she moved toward the exit clutching tightly at her paper bagPerspiration trickled down her foreheadAnd her heart it leapt inside her as the hand laid on her shoulderShe was led away bewildered and amazedThrough her deafened ears the cash machines were shrieking on the counterAs her escort asked her softly for her nameAnd a crowd of honest people rushed to help a tired old ladyWho had fainted to the whirling wooden floorCryingGod knows I'm goodGod knows I'm goodGod knows I'm goodSurely God won't look the other wayGod knows I'm goodGod knows I'm goodGod knows I'm goodSurely God won't look the other wayHey
Lyrics > David Bowie Lyrics > David Bowie God Knows I'm Good Lyrics

Viva Hillage!

by Chris Jones11 January 2007
Something of a musical polymath, the name of Steve Hillage will, to anyone under the age of 35, probably signify a world music producer (Rachid Taha) and ambient techno guru (System 7, The Orb etc.). It’s only recently, with the timely acceptance of anything labelled ‘prog’ that we’ve been able to focus on what he became famous for in the first place: as a guitar hero (or ‘guitar zero’ as he would have it). The reissue of his first four albums should finally seal his reputation on that score.
An original alumni of the second generation of ‘Canterbury’ bands (with Khan), Hillage came to prominence as psychedelic axe icon with Kevin Ayers and Daevid Allen’s Gong (interestingly both ex-Soft Machiners). It was during Gong’s immediate post-Allen period that he took his own material (along with most of his bandmates past and present) and produced Fish Rising. Taking Allen’s glissando technique and sprucing it up with his Hendrix-meets-Ravi Shankar stylings, Fish…, featuring both Dave Stewart (Khan and Hatfield And The North) and Lindsay Cooper (Henry Cow) sits neatly on the cusp of Canterbury jazz and far-out pot head pixie rock. Its bubbly suites remain wonderfully warm and floaty.
Success led Hillage to go fully solo (with partner Miquette Giraudy) and to go Stateside to meld his spiritual whimsies with those of another mystical maverick, Todd Rundgren. L must have looked like a perfect pairing on paper but was, perhaps, spoilt by Rundgren using his own band, Utopia for the sessions. Todd’s dense productions sound a little too cluttered for Hillage’s airy tones and no amount of remastering can stop the drums sounding like cardboard. Yet his “Lunar Musick Suite” has a cosmic grandeur while genius adoptions of songs by Donovan and George Harrison (“Hurdy Gurdy Man” and “It’s All Too Much”) meant that they became stage favourites for years to come.
Hillage returned the studio the following year with the aid of Tonto’s Expanding Headband’s synth maestro Malcolm Cecil and a stripped-down, funkier rhythm section of Joe Blocker and Reggie McBride. Motivation Radio’s lyrics were, by now, dripping with talk of UFOs and crystal vibrations while his grooves were approaching those of Cecil’s former boss, Stevie Wonder. Fans of Channel 4’s Friday Night Project (if there are such creatures) may recognize “Light In The Sky” as its theme tune. The guitar was as stratospheric as ever.
The first signs of Hillage’s desire to break out of guitar god mode followed in 1979 with his proto-ambient masterpiece Rainbow Dome Musik. Cited as an influence on the Orb, this two-track gem, with its temple bells, running water and arpeggiating sequencers still relaxes the parts that most ‘new age’ music can’t reach. It was proof positive that he had much more to offer. Long may he glid.

Gracias,Diego

Not exactly The Bonzo Dog Doodah Band....

Whatever happened in that Tunnel?

Chofer borracho, reporters zarpados.... los culpables.

La Ley absolve a MI5 y a la familia Real.

Oh,really?!

El Jueves,10 a las 19 horas ahí estaré (con Romapagana y más), en el marco del BAFICI

El Cine Teatro 25 de Mayo fue inaugurado en 1927, en un edificio diseñado en estilo ecléctico historicista por el arquitecto Máximo Gasparutti. En su escenario brillaron Carlos Gardel, Agustín Magaldi, Edmundo Rivero, Libertad Lamarque, Azucena Maizani y Bruno Gelber. En 1982, proyectó su última película y quedó abandonado. Pero los vecinos se movilizaron y en 2002 hasta frenaron una obra ilegal para convertirlo en bailanta. En 2004 el Gobierno porteño adquirió el edificio por $ 5.520.000. Las obras de restauración, consensuadas con los vecinos, costaron $ 15 millones.

Peter Tork: Let me tell you one thing son. Nobody ever lends money to a man with a sense of humor.

T.V. Stars

Creados 'artificialmente' como The Backstreet Boys, The Monkeys se auto-destruyeron en la maravillosa...'HEAD'.

The movie also features Rafelson, Nicholson, Jon Andersen, and Dennis Hopper in interesting cameos during the Columbia-Screen Gems Studio Club café sequence; other cameos include Helena Kallianiotes (as a belly dancer in the “Can You Dig It” number; she would go on to star as Palm Apodaca in Five Easy Pieces [Columbia, 1970], another Bob Rafelson-Jack Nicholson vehicle) and wrestler Tiger Joe Marsh (as a security guard). Nicholson and Hopper would, of course, later be featured in Easy Rider (Columbia, 1969), which was executive-produced by HEAD executive producer Bert Schneider, and also featured HEAD choreographer Toni Basil.
You notice that HEAD has no opening credit sequence.

Blow Job?

Hey, hey, we are The MonkeesYou know we love to pleaseA manufactured imageWith no philosophies.[...]You say we're manufactured.To that we all agree.So make your choice and we'll rejoicein never being free!Hey, hey, we are The MonkeesWe've said it all beforeThe money's in, we're made of tinWe're here to give you more!The money's in, we're made of tinWe're here to give you...

Bob Rafelson's (and Jack Nicholson's!) 'HEAD' 1968

This is one of those films where it is easy to see how some people wouldn't like it. My wife has never seen it, and when I just rewatched it last night, I waited until after she went to bed. She might have been amused by a couple small snippets, but I know she would have had enough within ten minutes.Head has nothing like a conventional story. The film is firmly mired in the psychedelic era. It could be seen as filmic surrealism in a nutshell, or as something of a postmodern acid trip through film genres. If you're not a big fan of those things--psychedelia, surrealism, postmodernism and the "acid trip aesthetic" (assuming there's a difference between them), you should probably stay away from this film. On the other hand if you are a fan of that stuff, you need to run out and buy Head now if you haven't already.Oddly, the film has never received much respect. That probably has a lot to do with preconceptions. After all, it does star The Monkees--Micky Dolenz, Davy Jones, Michael Nesmith and Peter Tork--and The Monkees were a musical group of actors put together by producers Bob Rafelson and Bert Schneider to be a kid-friendly, bubble-gummy Beatles for a television series. In their era, they had as much respect as, say, Menudo, New Kids on the Block, The Spice Girls, and so on. As a fellow IMDb reviewer rightly notes--"Perhaps people in 1968, thinking of the Monkees as a silly factory-made pop band rip-off of the Beatles, refused to see (Head)".The Monkees and Head have never been quite able to shed that negative public perception. It's a shame, because there was a lot of talent, both musically and otherwise, in The Monkees. It's probably odder that Rafelson, who directs here and co-produces with Schneider, and Jack Nicholson (yes, _that_ Jack Nicholson), who wrote the script and also co-produces, decided to take The Monkees in this unusual direction. It's as if New Kids on the Block suddenly put out an album equivalent to Pink Floyd's Ummagumma (1969) or Atom Heart Mother (1970). In fact, the songs in Head, written by The Monkees and frequent collaborators such as Carole King and Harry Nilsson, have a Floyd-like quality, somewhere between the Syd Barrett era and the immediate post-Barrett era. This is much more prominent than any Beatles similarity. Some people have complained about the music in the film, but to me, all the songs are gems. For that matter, some people dislike Barrett era (or other) Floyd, which is just as difficult for me to empathize with.But what _is_ Head about? The basic gist is just that The Monkees are taking a trip through various film genres--there are war scenes, adventure scenes, horror scenes, comedy scenes, drama scenes, western scenes, sci-fi scenes, romance scenes, and on and on. Except, in the film's reality, this turns out to be happening primarily (if not exclusively) on a studio lot. At root, we're watching The Monkees shoot a film. Of course all of the scenes in the various genres have something surreal and self-referential about them, and they, and individual shots within a scene, tend to lead to one another using dream logic not dissimilar to the Monty Python television show. As a dream, Head tends to vacillate between a good dream and a nightmare, while often being one that would cause you to laugh in your sleep (something that I frequently do, by the way).Technically, Rafelson uses a wide variety of techniques to realize the above. There are scenes with extensive negative images, there are a lot of very fast cuts (including a great sequence that features Davy Jones and Tony Basil dancing alternately in a white and a black room, wearing a combination of white and black reversed in each, that occasionally toggles back and forth as quickly as two frames at a time), there are a lot of bizarre segues, there is an animated cow mouth, there are odd editing devices, and so on. For my money, I wish this stuff wasn't just a relic of the psychedelic era. This is the kind of artistic approach I relish. It seemed like a good idea back then and I still think it's a good idea. I'd like to see films like The Life Aquatic with Steve Zissou using (2004) using these types of extended techniques. Now that would make that film surreal.Interpretationally, some folks who aren't so in tune with the acid trip aesthetic have complained that it's basically b.s. to offer meanings for something intended to not have any. I disagree with such a pessimistic/nihilistic view; Head was intended to have a lot of meaning(s), and it's not just films without conventional plots that have multiple interpretations. Nicholson, Rafelson and Schneider have a lot of interesting things to say about The Monkees--the film postmodernistically comments on their manufactured status; pop stardom--way before Pink Floyd, Head conflates pop stardom and violence, from images of war to images of fans cannibalistically dismantling their idols; and naïve U.S.-oriented ideas of international perceptions and respect--well-armed foreigners in a desert surrender to Micky Dolenz just because he's an American, then later they blow up a Coke machine (again in the desert) for him because he's thirsty and can't gain access. The film comments on many other topics--from big Industry to police, surveys, spectatorship (especially in relation to tragedies), and on and on. Head is full of ideas, appropriately enough, with intelligent, multifaceted things to say about them.Head deserves to be considered a classic--it's basically shooting for the same vibe as The Beatles' Yellow Submarine. Both premiered in November of 1968, interestingly enough, and both were intended as something of a summation of the psychedelic aesthetic. Yellow Submarine wasn't quite successful. Head is everything Yellow Submarine should have been.

Lo dije... pero... cuando?

RR el 03.03.2008 @ 8:59 pm
“Luca es a Pity lo que Jack Nicholson es a Pablo Echarri”
Andrea Prodan. Extraído de 10 Música
PD: perdón por desvirtuar tan temprano pero es que me pareció exelente la frase


(sacado de un Blog hace poco)

"Wir sind Wire"

Giovanni Papini dixit:

"Para amar a los hombres es preciso abandonarlos de cuando en cuando. Lejos de ellos, nos acercamos a ellos."

Salvatore 'Sonny' Bono (hoy)

Entre otros buenos temas escribió: "Needles and Pins" y

"I got you,babe".

Una mitad del 'Café Einstein'....

Slowly slipping into the Valley below.

Brunnenburg, with vine terraces on its slopes, with a family in its farmhouse to work its modest lands, belonged in the 1950's to Prince Boris de Rachewiltz, an Italian Egyptologist. . . . His correspondence with Ezra Pound commenced because he had married Pound's daughter (broad-browed, amber-headed, her father's image). And Brunnenburg, in July 1958, was the poet's place of return from his Washington exile. He was installed in the tower room below the top one; the archives came up from Rapallo; the Gaudier sketch went on the wall; the Gaudier head was carried by strong men into the garden; he made chairs, shelves, a long table; he set to work on the final typescript of Thrones; he drafted bits for the last run of Cantos. . . . He felt good, he estimated, for 20 more years. "At last I have found a setting."

Recuerdos gagá de infancia en el Tirol

Le Streghe

Trabajé aqui de 'Disc Jockey' en el verano del 77.
por pasar temss de Punk entre una Donna Summer y 'Disco Inferno' el dueño,Bedini, me pasó a Barman.
Un verano memorable, en la discoteque mas particular y hermosa de Italia, encrostada en la roca de un acantilado sobre el Mediterraneo. Y llena de ratas que salian a bailar cuando los clientes se iban a casa.

Dove il mondo è diverso, diverso da qui...". Il mondo era diverso a Cala Piccola. Il turismo era miliardario. Tante americane. Noi quell'estate ci infiltravamo, con la scusa di andare a trovare due nostri amici che facevano i bagnini: Alfredino e Tanacca.
Intanto sulla Panoramica apriva il primo locale da ballo, stile night club. Si chiamava: Le Streghe del Mare. Era unico nel suo genere, perché si trovava scavato nella pietra e affacciato sul mare. Il mare di Cala Grande. Ad aprirlo fu la famiglia Bedini di Roma, con villa a Lividonia. Il bel mondo di Roma, molti venivano anche per la sola notte, ma anche la Santo Stefano che contava. E anche i giovani indigeni più svegli attirati dalle inglesine, altra caratteristica del locale, che erano chiamate a servire.

La signora gioca bene a scopa? (Carlo Giuffrè,Edwige Fenech)

Edwige Fenech, preferida por Luca a Virna Lisi

Y otro articulo aparece..!

Luca vive
di Alberto Prunetti
Segnalo su Alias di sabato 22 marzo una pagina dedicata a Luca Prodan curata da Luca Gricinella. Chi è Prodan? Un italiano che a Buenos Aires è un mito, e che qui nessuno conosce. Rissoso, sudato, pelato, disgustato dalla società borghese, Luca vive su quasi ogni muro di Buenos Aires, nelle scritte e nelle magliette che ricordano ogni giorno la sua rivolta permanente. Figlio di un italiano e di una scozzese, Luca nasce a Roma nel 1953. Cresce negli ambienti dell’alta borghesia, finisce suo malgrado in un collegio in Inghilterra (lo stesso che frequentò il principe Carlo), conosce la Londra degli anni del punk, inizia a farsi di eroina e alle pressioni dell’ambiente circostante risponde con la fuga. Irreperibile per i parenti che lo cercano con l’Interpool, Luca torna a Roma: lavora nei mercati e dorme dove può, anche per strada.
Rintracciato, lo mandano in un collegio italiano. Quando arriva la cartolina militare non si presenta: lo dichiarano disertore e lo arrestano per tre mesi. Poi lo inviano a un reggimento. Lui scappa di nuovo e se ne ritorna a Londra. Dopo tre anni è di nuovo in Italia. Lo mandano al distretto militare: al colloquio con lo psicologo dichiara di fare uso di cocaina, eroina, lsd, hashish e alcool. Lo riformano, ma lo dichiarano malato mentale. A Londra il fegato si arrende e lui entra in coma. Esce dal coma e riceve una cartolina da un amico argentino. Lascia tutto e se ne parte per Buenos Aires. Qui diventa il cantante più importante della scena rock-reggae-punk argentina degli anni successivi alla dittatura, la voce dei Sumo, il gruppo del “tano” Luca, caratterizzato dalla sua ironia feroce e surreale, della sua voce tossica. Ultimo di un “flusso” interminabile di emigrati italiani, Luca ha saputo esprimere in chiave post-punk il fascino di Baires, l’atmosfera decadente del quartiere dell’Abasto, il disgusto, el asco, per una società borghese che odiava e per la quale, in segno di disprezzo, si rasò a zero i capelli.A me piace ricordarlo quando si presentò sul palco negli ultimi anni della dittatura, all’epoca della guerra delle Malvinas, con uno scolapasta in capo, a mo’ di elmetto. A chi protestava perché cantava in inglese (l’idioma del nemico), Luca rispose nel suo cocoliche: “Sì, canto in inglese ma sono italiano, men… e volete che ve lo dica? Le Malvinas sono italiane. Sapete perché mi sono messo uno scolapasta in testa? Perché gli italiani stanno per bombardare. Con gli spaghetti.”Lontano da ogni forma di patriottismo, non canta mai nella lingua di Dante. Muore di cirrosi nel 1987 a 34 anni, a Baires è un dio, famoso quasi quanto Gardel. Forse un giorno il suo nome dirà qualcosa anche ai tanti italioti che pensano che a Buenos Aires la gente ascolti solo il tango.

El Topo

Casi sin palabras.
Finalmente la ví.
Movilizadora,
Única,
fascinante...
"El Topo" de Alejandro Jodorowsky
Domingo 4 de marzo de 2007


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Jodorowsky habla del retorno de “El Topo” y sus nuevos proyectosPor un puñado de dólares
Por más de 30 años, la película favorita de John Lennon no pudo ser exhibida. Ahora, el chileno llegó a un acuerdo con el dueño de los derechos y además prepara un set DVD con tres de sus filmes. Acá el sicomago adelanta la película donde Marilyn Manson y Nick Nolte serán gánsteres jugadores.
Nación Domingo
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Por Al Weisel
Alguna vez, John Lennon dijo que la cinta “El Topo” (1970), del director Alejandro Jodorowsky, era su favorita, y convenció a su representante, Allen Klein, para que la comprara. A Klein también le encantó, tanto así que no permitió que nadie más la viera.
En una entrevista con Roger Ebert en 1990, Jodorowsky dijo que Klein le había dicho: “’El Topo’ es como el vino, se pone mejor con el tiempo. Estoy esperando a que mueras y entonces voy a tener una fortuna”.
La alucinógena película de vaqueros, con la actuación estelar del director como un pistolero vestido con ropa de cuero negro que venga la masacre de los habitantes de un pueblo, se convirtió en un filme “underground” de culto, pero no se pudo ver legalmente –aunque han circulado versiones piratas por más de 30 años–, ya que Jodorowsky y Klein se pelearon.
No obstante, eso finalmente cambió, y ahora se puede ver la cinta en la pantalla grande en una versión remasterizada que se presentó el otoño pasado en el Festival de Cine de Nueva York y se estrenará pronto en Estados Unidos. También van a sacar un paquete de películas en DVD de Jodorowsky, incluidas “Fando & Lis” (1968), “El Topo” y “La montaña sagrada” (1970).
–¿Por qué es que al fin se volverá a sacar “El Topo”?
–Después de casi 25 años de conflicto con Allen Klein, llegamos a un arreglo amistoso. Hace unos meses fui a Nueva York a remasterizar “El Topo” arreglando el color. Hice un trabajo espléndido con Robin, la hija de Allen Klein. El DVD incluye tres de mis mejores películas –”Fando & Lis,” “El Topo” y “La montaña Sagrada”, con dos horas de cintas extras, imcluida la primera que hice cuando tenía 24 años, que estaba perdida. La película es una historia de Thomas Mann, una pantomima titulada “The tide” Hay entrevistas y comentarios.
–¿Cuál fue el conflicto con Allen Klein?
–Él quería que yo hiciera una película y yo no, así es que me escapé. Entonces dijo: “Si te escapas así, nadie volverá a ver tu película”. Peleamos durante muchos años, y repartí videos del filme. Sin embargo, después de todos estos años hablamos por teléfono y nos dimos cuenta de que estábamos gastando demasiado dinero, porque no nos odiamos. Hicimos las paces. Así es que fui a ver a mi antiguo enemigo. Cuando abrió la puerta me dijo: “Estás hermoso. No eres un monstruo”. Yo le dije: “Tú tampoco eres un monstruo, eres como un maestro espiritual”. Ahora somos viejos. Han pasado 30 años. Así es que ahora somos amigos... Tu mejor amigo siempre es tu peor enemigo.
–¿Qué tipo de trabajo tuvo que hacer para remasterizar las películas?
–Tienen una máquina nueva para [hacer] los colores que quería. En aquel entonces, la técnica no era tan perfecta. También, algunas tomas que eran oscuras son claras, y a tomas estáticas les di movimiento. Ahora están perfectas. Por primera vez en mi vida tengo la película como a mí me gusta. Hice lo mismo con las tres cintas. La primera era en blanco y negro, así es que no hubo problema, pero “El Topo” sí fue un problema porque el color estaba mal. Y “The holy mountain” es como una pintura.
POETA POBRE
–A John Lennon le gustaba mucho su trabajo.
–Estoy muy agradecido con él porque cuando llegué a Estados Unidos con “El Topo”, las grandes compañías dijeron: “No sabemos cómo estrenar eso. Es tan diferente”. Era imposible exhibirla. Entonces, una persona se la enseñó a John Lennon y le gustó, así es que la exhibió con su película con Yoko Ono [y] el público vio mi cinta. La empezaron a pasar a medianoche, la primera vez que exhibían una cinta a esa hora, lo que comenzó las películas de medianoche, filmes como “Pink flamingos” (1972). Llamaron a eso “misa de medianoche”. Al año, Allen Klein compró la película. John Lennon se lo recomendó y dijo: “¿Por qué no le das dinero para que haga lo que quiera?”. Klein me dio un millón de dólares. Para mí era enorme, para ustedes los estadounidenses era nada. Hice una película enorme en México con ese dinero, “La montaña sagrada”. En ese entonces, nadie la entendió, y nunca se estrenó. Ahora, Marilyn Manson admira esa cinta. Se inspiró con ella e incluyó fragmentos en su video (“The dope show”, 1998).
–De hecho, hizo la ceremonia del matrimonio de Manson.
–Sí, quiso que oficiara la ceremonia como el personaje del alquimista de “The holy mountain”. Le dije: “Mire, señor Manson, han pasado 20 años o más. No tengo el traje”. Así es que cuando llegué a Irlanda para casarlo, me estaba esperando el traje. Ése era su sueño. Ahora ya se puede entender la película.
–¿Cuál era la película que Allen Klein quería que hiciera?
–Quería que hiciera “The story of O”. No quería hacer algo sexual. Soy feminista. No quería hacer una cinta sobre una mujer que es esclava. Cuando hice “El Topo” era un machista sudamericano. En “La montaña...” comencé a avanzar con las mujeres en la película; me di cuenta de que no podía tratar a las mujeres de esa forma. Estaba avanzado para mi época. Allen dijo: “¿Por qué no quieres hacer esa película?”. Así es que me escapé. Tenía razón de enojarse, desde su punto de vista como productor, porque metió mucho dinero en “El Topo” y “The holy mountain”, y cuando quiso hacer un gran negocio conmigo me escapé.
–Alguien que vea estas películas por primera vez, ¿qué debería saber?
–Que soy un artista. Hoy en día, las películas no las hacen artistas, las hacen compañías y las producen multinacionales. Se ha perdido el arte en el cine. Ahora, cuando artistas hacen cintas, las hacen para los museos. Pero para mí, los museos son cementerios. “El Topo” es una película de vaqueros y “La montaña sagrada” es de un alpinista, sobre escalar montañas. “El Topo” es una película moderna. No envejece. Y “La montaña...” lo será en su momento, en diez años.
–¿Cuál es su siguiente proyecto?
–Se llama “King shots” y es una película de gánsteres. Hay muchos actores que quieren participar en ella. Marilyn Manson interpretará el papel de un Papa de 300 años de edad. Nick Nolte me llamó y dijo que vio “Santa sangre” (1989). Manifestó: “Quiero trabajar con usted.” Le dije: “¿Cómo le pago?”. Y respondió: “No importa eso”. Quiero rodar en Rumania y en el desierto en España, donde Leone filmó sus películas. Se desarrolla en un casino en medio del desierto, y todos los gánsteres llegan a jugar y encuentran en el desierto el esqueleto de un gigante tan grande como King Kong. También quise hacer una cinta titulada “Abel Cain”, que era el hijo de “El Topo”, pero no pude conseguir el dinero. Muy cara. Sabe, soy un poeta pobre que trata de hacer películas artísticas, personales. No soy una multinacional. Pienso que mis filmes son una especie de elixir que puede cambiar la mentalidad para bien. Odio las cintas en las que uno entra tonto y sale tonto, sin cambios. Con las mías quiero cambiar la forma en la que se percibe el mundo.
Premiere
(The New York Times Syndicate)
“Santa Sangre”, está rodada en México. En ella aparecen sus hijos Cristóbal y Adán y narra la vida de un niño circense que ve cómo su padre corta los brazos de su madre.
“El Topo”, es un western ya de culto, para todos los seguidores del psicomago. Conocida también por los halagos que John Lennon le brindó a la cinta.
En “La Montaña Sagrada”, Jodorowsky invita a participar a Orson Welles y Salvador Dalí, pero éste cobraría 100 mil dólares por cada hora de filmación.

Entre las mas movilizadoras de las experiencias cinematograficas.

Lo que dicen...!

p://elbondi.com/musica/2007-09-01.2687/cobertura.php?cobertura=2687

Hoy, sabado, en Italia

En el suplemento 'Alias' del diario IL MANIFESTO, nota del periodista Luca Gricinella sobre el Italiano más famoso de Argentina (desconocido en Italia). Una primicia en la prensa Italiana sobre la historia de Luca.

A newly discovered planet...

Meet the Strugatski Brothers..!

Aperitif d'une Oeuvre

El relato se sitúa en un futuro lejano. Entre los habitantes de la Tierra ya no existen rencores, agresiones, envidias ni guerras. Pero también han desaparecido otros sentimientos propios de los humanos; el amor, la compasión, el interés personal...
Un grupo de científicos terrestres estudian desde una nave espacial un planeta semejante al suyo. Sus pobladores son primitivos, bárbaros y crueles, pero ellos tienen orden de no intervenir. Rumata es enviado en solitario, con la misión de civilizarlos. Al llegar, se siente horrorizado y lleno de rechazo hacia aquellos seres; pero, inesperadamente, comienza a compartir sus emociones y deseos.
Puede decirse que los hermanos Strugatski son los únicos escritores soviéticos de ciencia ficción cuya fama traspasó las fronteras de su país en condiciones muy adversas, y fue gracias a la novela "Qué difícil es ser dios". Esta se publicó en Rusia durante el mandato de Kruschev, que la autorizó tras haberla leído, y provocó un gran revuelo al ser considerada alusiva a la situación de la URSS. A pesar de la popularidad que alcanzó, no pudo ser reeditada durante los años que siguieron a la caída del gobernante.
Cine Relacionado: "El Poder de un Dios" de Peter Fleischmann

El libro!

El libro es maravilloso... acá se habla de la peli. Se podría conseguir, amigos?

EL PODER DE UN DIOS (ES IST NICHT LEICHT EIN GOTT ZU SEIN / UN DIEU REBELLE / TRUDNO BYT BOGOM)
Formato: -
En un planeta no muy distinto al nuestro, y sumido en la barbarie de los años oscuros, un grupo de terrestres ejercen como observadores neutrales, historiadores que tratan de entender el pasado y los procesos de evolución de una sociedad que consideran bárbara y primitiva. Alan (Edward Zentara) bajo la identidad de un noble, Rumata de Storian, viaja hasta Arkanar para buscar a otro observador que ha sido dado por desaparecido. Arkanar es un reino sometido a los designios de Reva (Aleksander Filippenko), un consejero cruel que maneja a su antojo al débil rey, y que ha iniciado una revuelta acabando con todos aquellos sospechosos de brujería, saber leer o querer avanzar en esa sociedad medieval. El protagonista descubrirá que sumergirse en ese mundo de violencia y crueldad -algo aparentemente inexistente en el lugar de donde procede- supondrá cuestionar la misión que le ha llevado hasta Arkanar y removerá sentimientos muy profundos en él.
Ficha Técnica
Director: Peter Fleischmann / Productor: Peter Fleischmann para Hallelujah Film / Dovshenko Studios / Sovinfilm / Garance / Mediactuel / Ba Produktion / Guión: Peter Fleischmann, Jean-Claude Carrière, según la novela Qué difícil es ser Dios de Boris y Arkadi Strugatski / Fotografía: Pavel Lebeshev / Música: Jürgen Fritz / Efectos especiales: Yuri Lemeshev, Thomas Mauch / Montaje: Marie-Josée Audiard, Christian Virmond / Intérpretes: Edward Zentara (Rumata/Alan), Anna Gautier (Kyra), Hugues Quester (Suren), Christine Kaufmann (Okana), Alexander Filipenko (Reba), El Gudscha Burduli (Barón Pampa), Andrei J. Boltnev, Pierre Clémenti, Michael Gluski, Werner Herzog, Birgit Doll, Gayle Hunnicutt… / Nacionalidad y año: Alemania / URSS / Francia / Suiza / Italia 1988 / Duración y datos técnicos: 116 min. color.
Comentario
Peter Fleischmann, director alemán poco conocido, adapta con gran respeto la novela ¡Qué difícil es ser Dios! de los autores rusos Arkadi y Boris Strugatsky, y compone tanto una historia de aventuras (un espadachín en la corte que se enfrenta a conspiraciones varias) como un relato de ciencia ficción reflexiva (este espadachín es un historiador de otro planeta que ha venido a observar, sin intervenir, el devenir histórico del planeta. Es como un dios todopoderoso lejano y ajeno a lo que sucede).
Es cierto que la novela plantea, no sólo el dilema del personaje ante lo que ve y ante lo que podría o no hacer, sino también lo inevitable de la historia y la imposibilidad de dar marcha atrás, aspectos implícitos en el filme pero que quedan algo desdibujados.
Fleischmann se centra en analizar los sentimientos del protagonista (un excelente Edward Zentara) ante los hechos que transcurren ante él. Básicamente la crueldad de la revolución social emprendida por Reva, que acaba con todo atisbo de progreso (no es muy difícil ver una crítica a las sociedades totalitarias, y supongo que los hermanos Strugatsky de eso sabían un poco), progreso representado por inventos como la imprenta o la figura del sabio Budach. El señoreo de la brutalidad y la ignorancia, el ensalzamiento de ésta (la persecución de aquellos que saben leer o escribir), el deseo de sumir en la oscuridad a la sociedad, acaban por enfrentar a Rumata/Alan con toda la misión que está llevando a cabo. Exigirle la imparcialidad de un observador neutral es una crueldad excesiva, algo que nadie puede resistir de manera indefinida.
Poco a poco, distintos sentimientos afloran en Alan, haciendo que se cuestione su figura como observador imparcial, de dios sordo a las súplicas de los que sufren. Empieza a sentir odio, asco, repugnancia, desdén (casi como protección ante lo que ve), pero también descubre que puede sentir compasión y amor (encarnados en el personaje de Kyra, interpretada por Anne Gautier), admiración (el herrero que inventa la imprenta o el sabio Budach) o amistad, en el fantástico personaje del Barón Pampa (interpretado genialmente por El Gudzha Burduli), un tipo vitalista, expansivo, de tintes grandilocuentes que no tendrá un papel baladí en la transformación de Alan. Transformación que le hará empatizar con aquellos entre los que vive y descubrir, quizás, el verdadero significado de la palabra humanidad y de la divinidad.
No es en vano este sufrimiento de los personajes que rodean al protagonista, todos cumplen una función para hacer avanzar la historia hacia un giro inesperado, pero perfectamente coherente con lo que estamos viendo, y que, si mal no recuerdo, no figuraba en la novela. Un giro que cuestiona la misión llevada a cabo en el planeta por los observadores y que enlaza, en cierto modo, con el planteamiento original de la misma, pero dotándola de una mayor humanidad. Giro que, evidentemente, no vamos a desvelar y que dejaremos sorprenda a los espectadores.
Si la película brilla en los planteamientos morales y científicos, quizás cojea en la parte más aventurera. Tenemos elementos tradicionales, conspiraciones dentro de conspiraciones, damas de la corte que acaban ayudando al protagonista, intentos de envenenamiento, revoluciones, etc., pero la mayoría de estos avatares quedan bastante desdibujados, especialmente las revueltas campesinas, con el bardo Suren, líder de los insurrectos (que tiene algunas secuencias, hacia el final, demasiado caricaturescas) a la cabeza, y el papel que juega Rumata como catalizador, o la relación con el hijo del rey (si bien, y la memoria es frágil, recuerdo la misma sensación al respecto al leer la novela).
No obstante, las intrigas palaciegas están rodadas con efectividad, sin embrollar los acontecimientos aunque transcurran rápidamente y tengamos la sensación de que suceden al margen de lo que pueda hacer el protagonista, y no terminemos de entender el interés que tiene en él Reva. A pesar de todo, mantienen un ritmo adecuado que hace que se pasen por alto las inconsistencias del guión o la premura con que se ruedan.
Fleischmann ofrece una dirección efectiva, sin grandes alardes, que te sumerge en un mundo realmente extraño, distinto del que conocemos y, al mismo tiempo, demasiado parecido. Una mezcla de edad media y época fantástica, especialmente los decorados rocosos en los que se supone se halla erigida la ciudad de Arkanar, muy distinta de lo que habitualmente nos ha ofrecido el cine, y se nota el origen franco-germano-ruso de la cinta. Y si la dirección de arte es bastante sobresaliente (aunque cante demasiado el helicóptero que utilizan los observadores), no podemos decir lo mismo de algunos efectos especiales, demasiado toscos -especialmente para el año de la película- pero que no interfieren en lo que nos están narrando.
Estamos, en definitiva, ante un filme de ciencia ficción de lo más digno, que adapta más que honrosamente a dos autores consagrados, que se ve con agrado e interés y que huye completamente de las tonterías típicas del mainstream hollywoodiense. Una pequeña joya digna de revisitar.
Anécdotas
* En el Festival de Cine Fantástico de Fantasporto (Oporto) ganó el premio de la crítica y a los efectos especiales. En el de Sitges, a la música y al guión. * Existe otra versión de la novela, casi a punto de estreno en Rusia: Trudno Byt’ Bogom (2006), de Aleksei German. * El magnífico episodio de la serie Star Trek, la nueva generación titulado “Quién vigila a los vigilantes” tiene un parecido muy acusado con la película (y/o la novela) en su aspecto especulativo.
Bibliografía
¡Qué difícil es ser Dios! , por Arkadi y Boris Strugatski; traducción del ruso, A. Molina García y Domingo Santos. Barcelona: Acervo, 1975. Colección Ciencia Ficción y Fantasía. Traducción de Trudno Byt Bogom (1963)

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